戦後の最も影響力のある婦人服コレクション 25 選

広告

による支援

編集者、歴史家、デザイナーなどのファッション専門家のグループが Zoom 上に集まり、世界を形作った服のリストを作成しました。

友達にストーリーを送信する

定期購読者にはギフト記事が 10 件あります毎月与えること。 あなたが共有したものは誰でも読むことができます。

ニック・ハラミス、マックス・バーリンガー、ローズ・コートー、ジェシカ・テスタ、キヌ・ウー著

ニューヨーク市の地下鉄の格子の上に着た小さな白いドレスであれ、主張するポップスターのコーンブラであれ、私たちが着ている服にはあらゆる種類のメッセージを投影する力があります。 特定の衣服やシルエットの存在そのものが、重大な社会変化の瞬間の証拠であることがよくあります。 私たちは、着ている服を通して、言えないことを伝えます。そしてそれが、私たちが世界をどのように移動し、どこに行くことが許されるのかを決定します。 多くの意味で、ファッションの歴史は、たとえ不完全であっても、私たち全員の歴史です。 それは仕立て、テキスタイル、イノベーション、内紛、ビジネス、虚勢、そして何よりも美しさ、そして醜さについての調査でもある。

それを念頭に置いて、T は尊敬される審査員のパネルを集めました。ファッション界の権威であるパメラ・ゴルビンは、元パリ装飾芸術美術館のファッションとテキスタイルの主任キュレーターでした。 ニューヨークを拠点とするスタイリスト兼T寄稿者のマット・ホームズ。 Tのクリエイティブディレクター、パトリック・リー。 アメリカのファッションデザイナー、リック・オウエンス。 イタリアのギャラリストであり、フォンダツィオーネ・ソッツァーニの社長であり、10コルソ・コモのコンセプトストアの創設者でもあるカルラ・ソッツァーニが、第二次世界大戦の終わりから現在までで最も影響力のある婦人服コレクション25点を選出しました。 招集前に、彼らはそれぞれ、含める価値があると考える約 10 個のコレクションを指名しました。 その後、7 月下旬の水曜日、彼らはリストを絞り込むためにオンラインに集まりました。リストには、順位ではなく議論された順序が主に反映されています。 明らかなお気に入りがいくつかありましたが、コム デ ギャルソンを少なくとも 1 シーズンは含めることに全員が同意しましたが、多くの厳しい省略がありました。 （はい、私たちはイタリア人を軽視していることを知っています。）デザイナーの一連の作品から 1 つのコレクションを選び出すのは、それが仕事ではありましたが、多くの場合困難でした。 同様に難しいのは、衣服自体をショーの光景から切り離すことだった。 考慮されるためには、コレクションがランウェイに登場する必要はなく、すべてのランウェイ ショーが基準を満たしているわけではありません。 たとえば、1973 年のベルサイユの戦いの募金活動では、チームが存在したため参加資格がありませんでした。 この記念碑的なイベントでは、5 人のフランス人クチュリエ (クリスチャン ディオールのマルク ボアン、ピエール カルダン、ユベール ド ジバンシィ、イヴ サン ローラン、エマニュエル ウンガロ) が、アメリカの同業者 5 人 (ビル ブラス、スティーヴン バロウズ、オスカー デ ラ レンタ、ホルストン、アン・クライン）。 また、私たちはパネリスト自身による何も考慮しないことに同意しました。それが、オーエンズが複数のノミネートにもかかわらず、最終リストに載っていない理由です。

最後に、2 つのコレクションは現代ファッションの発展に非常に貢献してきたため、貴重なスロットを占めるにはあまりにも明白だと感じました。 最初のものは 1947 年に登場し、クリスチャン ディオールという比較的若いフランス人デザイナーがフェミニンなニュー ルックをデビューさせました。 肩が傾斜したドレスはウエストでしっかりと締められ、ボリュームのあるスカートと合わせて着用されたショールカラーのジャケットは、単なる砂時計のような体型ではなく、当時の軍服の緊縮財政に対する豪華な解毒剤となっていました。 2つ目は、フランスのクチュリエ兼帽子屋のガブリエル・“ココ”・シャネルによる最初のものに対する反論だった。1920年代と30年代の彼のデザインは実用主義と独立性を伝えており、ディオールは解放された女性たちに不利益をもたらしたと感じていた。 1954年、70歳で退職した彼女は、クラシックなツイードスーツ（当時スリムなスカートと編み込みトリムのノーカラージャケットでアップデートされていた）を、競合他社の初級者の理想を否定するものに変えた。

その日の午後の電話会議では、予想外の意見の相違の中で、ありそうもない共通の意見が浮上した。 しかし、誰もが真実だと知っていたのは、ファッションには生地以外にもたくさんの要素があるということであり、それがオーエンズが上半身裸で現れた理由を説明しているかもしれない。 — ニック・ハラミス

パメラ・ゴルビン：始める前に飛び込んでもいいですか？ 私は最初から、第二次世界大戦以来のプレタポルテのコレクションという概念をパラメータとして扱いたかったのです。現代的な形のプレタポルテは、戦後すぐのフランスには存在しませんでした。 プレタポルテのコレクションのみを検討したい場合は、1973 年に開始する必要があります。その時点までの他のコレクションはすべてオートクチュールです。

カルラ・ソッツァーニ：いいえ、私がサン ローラン リヴ ゴーシュを買い始めたのは 1966 年です。それはプレタポルテでした。

ゴルビン:ル・スモーキングはオートクチュールコレクションで発表されました。

ソッツァーニ:しかし、リヴ・ゴーシュは1966年にパリにオープンしました。

ニック・ハラミス：そして出発です！

1971 年 1 月、イヴ サン ローランは、友人のジュエリー デザイナー パロマ ピカソが蚤の市で拾った 1940 年代のドレスという 1 枚の衣服からインスピレーションを得たコレクション全体を発表しました。 彼はこのショーに「リベラシオン」というタイトルを付けたが、後に彼のスキャンダル・コレクションとして知られるようになった。短い毛皮のジャケットとウェッジシューズを合わせた膝丈のドレスのパレードは、一部の人にとって戦時中のパリの歓迎されない思い出を呼び起こした一方、派手なターバンや口紅は、汚れた口と派手な色は、伝統的なセンスの良さの概念からの鋭い逸脱を示していました。 サンローランのミューズであるルルー・ドゥ・ラ・ファレーズはアメリカとイギリスの報道陣から見守り、激怒した反応に耳を傾け、「私たちが聞いたことは――『このコレクションはビデに座るためのものだ』というものだった」と回想した。デビューから数か月後、ファッションの潮流は変わり始めました。サン ローランは、今後数十年を支配するであろうレトロにインスピレーションを受けたスタイルに対するマニアの期待を先取りしていました。 礼儀正しさに挑戦し、オートクチュールとプレタポルテの境界線を曖昧にすることで、デザイナーは過去と決別し、ストリートのエネルギーと興奮を受け入れました。 「ファッションは私たちの時代を反映するものであり、その時代の雰囲気を表現していなければ意味がありません。」と彼は言いました。 — キンウ

ハラミス:そのうちの 3 人は、彼の有名なル スモーキング スーツをフィーチャーしたイヴ サン ローランの 1966 年秋コレクションを含めることを選択しました。

ゴルビン:女性のワードローブでタキシードを見つけたのはこれが初めてではありませんでしたが、クリスチャン ディオールの後継者であるサン ローランは、このトレンドに高貴な文字を与えました。

リック・オウエンス：これを含めない方法はありますか? その決定を擁護する必要はないと思います。

ハラミス:カーラは同意しないかもしれない。

ソッツァーニ:私は 1971 年の春の方が好きです。悪い評価が多かったです。 あなたはそれらを読んで、「彼はどうやってこの状況を生き残るのだろう？」と考えるでしょう。 実際、それは彼の最高のコレクションの一つだったと思います、そして私はそれをたくさん買いました。 私の妹（有名な『ヴォーグ・イタリア』編集長フランカ・ソッツァーニ）が結婚したとき、私はスキャンダル・コレクションのパンツとジャケットを着て行きました。 1970年代には、ズボンを履いて結婚式に出席することは前代未聞でした。 数年後、サン ローランは非常にブルジョワ的になりましたが、当時は挑発的で時代を先取りしていました。

パトリック・リー：サンローランはスキャンダルを起こそうとしたと思いますか?

ソッツァーニ:いいえ、もちろんそうではありません。 報道機関が時々どれほど間違っているかには信じられないほどです。

大不況は厳密には 2009 年の夏に終わりましたが、フィービー ファイロがセリーヌの 2 回目のランウェイ コレクションを発表したとき、その文化的な余波がちょうど感じられました。 （エディ・スリマンは、2018年にクリエイティブ・ディレクターに就任した際、ブランド名からアクセントを取り除いた。）フィロは、フランスのメゾンのスポーツウェアの原点に立ち返り、思慮深さを伝え、憧れと日常との距離を最小限に抑える多用途の服を開発した。 黒、白、ネイビーが彼女のパレットを支配し、オリーブ グリーンが少し散りばめられていました。 細いパンツや膝丈のスカートなどのセパレーツは、青いウールのスカートと黒い革のタンクが単一のシースに融合されたり、一見すると、見事なシンプルさで構築されたノーカラーのタキシードドレスのように、時には幻想的な形で登場しました。お揃いのスカートとジャケット。 このようなおとりは、着るものを 2 つ選ぶのは、1 つを選ぶのと同じくらい簡単であるべきだという、一貫性の理想を表現していました。 フィロの本質主義は、最も単純なアイテムであっても際立った特徴を探す目を促しました。 そして、それらの特徴は必然的にそこにあり、多くの場合、意図的に非対称性を誇示し、その発見は見る人の視線に報い、コレクションの意識を肯定します。 — ローズ・コートー

ゴルビン:彼女がワードローブを本格的に確立した時期だったので、これを選びました。 1990 年代から 2000 年代初期には女性デザイナーがあまりいなかったため、このリストに女性デザイナーが名を連ねていることは私にとって重要です。 彼女はこのような重要なデザイン用語をテーブルにもたらしました。

ソッツァーニ:私は彼女の作品が大好きですが、彼女は本当にデザイナーではないと思います。 彼女はもっと素晴らしいスタイリストです。

マット・ホームズ：フィービーがセリーヌにいた頃のことになると、それが文化に与えた影響について考えます。 ファッション雑誌以外の世界でもよく見かけます。 私がこのブランドに出会ったのは、カニエ（ウェスト）がパジャマシャツを着始めた2011年春のコレクションでした。 とてもフェミニンな彼女の服を男性が着ても新鮮だと思いました。 しかし、彼女がデザイナーとしての基礎を築いた時期と言えば、2010 年の秋のことです。 すべての構成要素が揃った強力なショーでした。

李：フィービーのセリーヌは信じられないほど影響力がありました -

ソッツァーニ:今でもそうです。

李：彼女がいなければ、これらのハイストリート ブランドの多くは存在しなかったでしょう。 カーラ、あなたの指摘は重要なことですが、私はヴァージル（アブロー、オフホワイトの創設者でルイ・ヴィトン紳士服の故アーティスティック・ディレクター）のことを境界を曖昧にする人、真の意味ではなくスタイリストかアート・ディレクターだと考えています。デザイナーですが、その影響は長く続きます。

ソッツァーニ:彼女が作ったのは言語でした。

李：本当に、世界全体です。

ソッツァーニ:それは現代の女性に欠けているものです。 他の多くの人が彼女と同じことを試みましたが、今のところ誰も成功していません。

バレンシアガのクリエイティブ ディレクターに就任して 5 年が経ち、若いフランス人ベルギー人デザイナーのニコラ ジェスキエールは、カーゴ パンツを春のコレクションの一貫ラインとし、スケーター カルチャーやヒップホップ アーティストの影響を受けたアメリカのストリートウェアの辞典からカーゴ パンツを翻訳して、ランウェイでは、シーグリーンブルーとダスティーピンクの風通しの良い生地で抽象化し、ベルトをサッシュに置き換えました。 他のアイテムも同様にだらしのないクールさを表現していた。誇張されたヒップポケットが付いたサロペットや、よだれかけのような構造で胸郭の広い帯が露出したボリュームのある黒のコットンのスリッポンドレスなどだ。 これらのシルエットの解体された実用主義は、インドにインスピレーションを受けた生地やヴィンテージのブロケードで作られた一連の複雑なパッチワークのトップスやミニドレスと対照的でした。 ジェスキエールは、ロサンゼルス スタイル、ラファエル派、オランダ人デザイナー、クース ヴァン デン アッカーの華やかなセーターをインスピレーションとして引用し、折衷的な都会的な服装のためのロマンチックなテンプレートを提供しました。 また、コレクションの最も印象的な作品のいくつかが、1990年に亡くなった中国系アメリカ人デザイナー、カイシック・ウォンが作った衣服のレプリカであることが判明し、芸術の所有権についての議論を引き起こした。ジェスキエールは、彼の盗用を否定しなかった。 「人々が私のインスピレーションの源に注目してくれるのはとても光栄だ」と彼は語ったという。 — RC

李：彼の世界への直接的な方法の 1 つは、カーゴ パンツを介することでした。 簡単なアイデアとは言えませんが、それほど奇妙ではありませんでしたが、それでもこのパンツが与えた影響は計り知れませんでした。 彼らの影響が随所に見られました。

オーエンズ:ニコラ・ジェスキエールを入れなかったのは間違いだったと思います。 それは愚かでした。

ゴルビン:なぜそんなことを言うのですか？

オーエンズ:なぜなら、バレンシアガでの彼の仕事がどれほど素晴らしかったかをあなたが思い出させてくれたからです。 私は2002年春の動議を第二に提出します。

ホームズ:私も。

ウィリー スミスがビジネスを始めてから最初の 2 年間、デザイナーの服はニューヨークの特定のシーンスターの間で静かな人気を博しました。 しかし、WilliWear が実際に「アートの世界への進出」となったのは、1978 年のスミスの最初のランウェイ ショーまでではなかった、と彼のビジネスおよびクリエイティブ パートナーであるローリー マレットは後に語った。 それはソーホーのホリー・ソロモン・ギャラリーで行われ、伝えられるところによると、ストリートウェアの発明者として知られるようになった黒人デザイナーの出現を見るために500人が集まったという。 彼の服はリラックスしていながらも仕立てられており、気取らないがモダンであり、そして彼にとって重要なことに、価格も手頃でした。 「100ドルを超えるものは決してなかった」と彼はタイムズ紙にデビュー作について語った。その中には「ディアンドルパンツ」と呼んだ波打つハイウエストのズボンも含まれていた。 ショーは、彼の妹で女優兼モデルのトゥーキー・スミスが、軽量の半袖ベージュのジャンプスーツを着て、フィッシャーマンスタイルのサンダルとソックスを合わせた姿で幕を開けた。 このコレクションは航海と東南アジアをテーマにしており、動きの自由を可能にする柔らかいジャケットやゆったりとしたドレスがあり、1970 年代の女性にとっては、過去数十年間のより女性化された制服からの自由をもたらしました。 スミスは、適応性があり、性別が流動的な「ストリート クチュール」を中心とした世界を構築していましたが、それが完全に実現される前に、1987 年にエイズ関連の病気により 39 歳で亡くなりました。 — ジェシカ・テスタ

李：それはハイファッションではありませんでした。 それははるかに民主的な提案でしたが、アクセスしにくいコレクションの言語をすべて使用したものでした。 それが一般的ではなかった時代に彼が黒人デザイナーだったという事実は、新たな領域を開拓しました。 洋服も素敵で、建築会社サイトが設計したお店もとても気に入りました。 それは完璧なパッケージだったが、彼は本来あるべきほど認識されていない。

セブン イージー ピース: それが、ダナ キャランの同名ブランドの記念すべき 1985 年のデビューの背後にあるコンセプトでした。 アン クラインのデザインに 10 年以上費やしてきたカランは、毎日のスマートな着こなしと視聴者を見つける直感を持っていました。彼女は、ファッションには関心があるものの、忙しすぎてファッションにあまり関心を持てない顧客をターゲットにしていました。 （今日に至るまで、このコンセプトは「カプセル ワードローブ」として宣伝されています。40 年近く経った今でも、多くの女性が服を着るときに圧倒されていることがわかります。） タイミングを考慮すると、これは天才的なものでした。1990 年までに、アメリカの労働力に占める女性の割合は、1970年の37.5パーセントから45パーセントを超えることになる。カランの着回しセパレーツの多くは、曲線を強調することを目的としたものであった（中心のイージーピースはボディスーツだった）一方、他のものは体型に傾いたものであった。メンズのシルエットをレディースウェアに取り入れたトレンド。 重要なことは、彼らが昼から夜までエレガントに適応できることでした。 オリジナル コレクションには、テーラード ジャケット、カシミア セーター、ラップ スカート、クラシックな白いシャツなどもありました。 カランは、決して飽きることのない高品質のベーシックを約束していました。このコンセプトは、今ではアメリカのファッション業界の主要なセールスポイントの 1 つとなっています。 — JT

オーエンズ:パメラ、これはあなたのものでしたか？ 入れるつもりだったのに！

ゴルビン:アメリカ人女性を参加させることが重要だと思いました。 彼女は、クレア・マッカーデルとボニー・カシンの伝統を忠実に踏襲しており、形と機能が驚くべき方法で融合しています。 彼女は「Seven Easy Pieces」でアメリカやその他の地域のすべての女性の実用的なワードローブを確立しましたが、それは後に、たとえば広告などでそれに付随する図像でもありました。 [ダナ キャランの 1992 年春の広告キャンペーンは、アメリカ初の女性大統領の就任と政権運営を想定していました。] それは、彼女がアン クラインから持ち込んだ経験と、その後彼女が創造した世界についてのものでした。

2006 年にデザイナーのシェイン・オリバーによって共同設立されたフッド バイ エアは「高級ストリートウェア」と評されていますが、オリバーの作品に馴染みのない人はその称号の包容力を過小評価するかもしれません。 2014年、あるファッションジャーナリストは、オリバーのアナーキーな集団（HBAとして広く知られている）は、「現在ニューヨークのファッション界で起きている最も奇妙で、最もワイルドで、最も興味深い出来事の一つ」であり、「ヒップホップ、パンク、アスレチック、両性具有、クラブギア、ゴス、部族の美学。」 彼女が言及していたのは、その年のHBAの秋コレクションのことだった。このコレクションは、あらゆる性別のモデルがメンズウェアとして発表し、ヴォーガーの一座が厳しいヘアフリップをするという形で最高潮に達した。 家族のルーツがトリニダードにあるオリバーは、ブルックリンで育った頃に頻繁に通ったダンス クラブが主な影響を受けたと考えています。 （フード バイ エアという名前は、クラウン ハイツの「フード」と、彼が地下鉄で移動していたマンハッタンのダウンタウンの 90 年代のスケーター シーンの両方に敬意を表しています。）このコレクションでは、彼はカーゴ パンツ、トレンチ コート、厚手のパンツを展開しました。レザーとスエードの底のコンバットブーツ、そしてもちろん、黒の海に簡潔な色のしぶきを与えたHBAの基本的なロゴTシャツ。 多くのアイテムにはストライプが施されており、厳密に機能するには多すぎるジッパーが付いていました。 モデルの部分的なヘアピース（頭頂部にタッセルのように取り付けられているもの）と同じように、彼らは、瞬間ごとの選択（ジッパーを閉めるか締めないか、かつらを付けるか付けないか）の小さな例を提供して、どのようなものを生み出すことができるかを示しました。現在では一般に流動性と呼ばれています。 — RC

ホームズ:シェインが現場に現れたときは、まるで隕石が衝突したかのようだった。 黒人クィアのスタイリストとして、私はそれがとてもエキサイティングだと感じました。 当時のファッション業界の感覚は、非常に優良企業であり、企業的なものでした。 このショーはショーマンシップの概念をニューヨークに持ち帰りました。 彼の存在は、あたかもファッションがブライアント・パークにしか存在しないかのように、すべてが徹底的に洗われ、浄化されているように感じられた当時、よりアンダーグラウンドなアイデアがメインストリームに浸透するというドミノ効果を生み出した。 [1990 年代を通じて、会場が分裂する 2009 年まで、ニューヨーク ファッション ウィークのほとんどのショーは衣料品地区から数ブロック離れたテントで開催されました。] これらの HBA 69 シャツは、今日に至るまでカナル ストリートで販売されています。 私の地元のデリの女性が持っています。 プライベート感があまりないファッションです。

ハラミス:リック・オウエンスのショーとも比較していたと思います。

ホームズ:そうですね、確かに、シェインがバトンを拾っていると思いました。

オーエンズ:私はシェインが大好きですが、代わりに彼の前任者であるジャンポール・ゴルチエを選ぶと思います。

ジャン ポール ゴルチエのファッション界における 50 年間において、彼の最も有名なモチーフはおそらく、鋭い円錐形のブラジャーが付いたコルセットでした。 1983 年春のダダ コレクションがその始まりでした。マドンナが「ブロンド アンビション」ツアーでコーンを持って行ったことで有名になる 7 年以上前です。 コルセットやランジェリー風の服装が復活していることを考えると、今では奇妙に思えるかもしれませんが、下着をアウターとして着用することがまだスキャンダラスまたは恥ずべきことであった時代がありました。 ゴルチエは、コルセット ドレスの導入によって、それを破壊的で性的な勝利に満ちたものにしました。タイトでストラップレスの膝下丈で、淡いサーモン ベージュにかすかな花柄のプリントが施されています（フランス人デザイナーは、祖母が大学時代に着ていたスリップからインスピレーションを得たものでした）子供時代）。 ブラジャーのカップは、1950年代の弾丸ブラのように乳首に向けられていました。 ゴルチエは、ランウェイに円錐形の胸像を設置した最初の人物ではありませんでした（バンバラのアートにインスピレーションを得たイヴ・サンローランは、1967年にそれを行いました）。 しかし翌年までに、ゴルチエのブラジャーはさらに極端なプロポーションとなり、不条理なトラフィック コーンのようにオレンジ色のシャーリング ベルベットで表現されるようになりました。 残りはポップカルチャーの歴史でした。 — JT

李：ゴルチエは鍋をかき混ぜることができるので重要です。

ゴルビン:それは、あらゆる形で、ル・スモーキングの精神に則った最高の違反でした。 しかし、ここでは紳士服が婦人服のクローゼットに入る代わりに、下着がアウターウェアになったのです。 それは衣服そのものとそれを取り巻く文化の再発明に関するものでした。

オーエンズ:しかし、ゴルチエのトリックは、違反の背後に絶妙な品質があったということだと思います。 それが私たちが違反を尊重するようになった理由です。

李：彼が滑走路にもたらした喜びは、ある種の啓示でもあった。

彼の師であるクリストバル・バレンシアガがインスピレーションの源として過去を掘り起こしたとすれば、バレンシアガのメゾンで 10 年間働いたアンドレ・クレージュは未来に執着していました。 訓練を受けた土木技師であり、「オートクチュールのル・コルビュジエ」とも呼ばれるクレージュは、厳密な建築アプローチを採用し、幾何学を実験し、ビニールやプラスチックなどのテキスタイルを革新しました。 Aラインのドレス、ドロップウエストのスカート、フラットソールのゴーゴーブーツの1964年秋コレクションで話題を呼んだ後、彼は翌年、ファッションプレスが「クレージュ・ボム」と名付けた新しいワードローブでこれらのアイデアを統合した。 彼は、絶妙に仕立てられたパンツスーツと、かなり過激ではあるが膝上のヘムラインにアンクルブーツを合わせ、パステルと明るい赤のアクセントを加えた彼の好みの純白のパレットで表現した。 このショーは、ファッションに対する彼の進歩的なビジョンを要約したものでした。彼は、1950 年代の厳格で気難しいシルエットから女性たちを解き放ち、この 10 年代の新しい自由の感覚を語りたいと考えていました。 「もう人生を歩くことはない。走る。踊る。車を運転する。飛行機に乗る。」と彼はかつて言った。 服も動きやすくないといけませんね。 — KW

ゴルビン:クレージュはバレンシアガの出身で、すべて白を基調としたモダンなワードローブのコンセプトを定義しました。 彼は、今日のワードローブで最も重要な 2 つの要素であるミニドレスとパンツ スーツを紹介します。

李：販売されました。 次へ移りましょう。

ファッションが芸術と言えるのかどうか疑問を持つ人は、ロンドンの労働者階級の家庭で育ち、10代で仕立て屋の世界に入ったリー・アレキサンダー・マックイーンの作品を再確認してみるとよいだろう。 彼は、最初のコレクション『切り裂きジャックが犠牲者を忍び寄る』でファッション学生として注目を集めました。このコレクションには、棘がプリントされたピンクのシルクサテンのコートが含まれていました。 一部の衣服の裏地には彼自身の髪が縫い付けられており、恋人たちがお互いに髪を贈り合うというビクトリア朝の伝統に敬意を表しています。 将来のコレクションは、そのソース素材は異なりますが、それぞれが物語への同様のこだわりと細部への比類のない注意を示すでしょう。 彼はまた、紛争や不気味なものにも魅了されました。 （1995 年の彼の番組「ハイランド レイプ」は、イングランドによるスコットランド搾取をテーマとし、90 年代後半の超ローライズ ジーンズの先駆けとなった彼の悪名高きバタバタボトムスをフィーチャーしました。その原因は誰に尋ねるかによりますが、その責任があるとされています） 2005 年春のコレクション「イッツ・オンリー・ア・ゲーム」を発表するまでに、彼は広範な作品を開発しており、番組のうぬぼれ、つまりアメリカと日本の間で行われたチェスの試合をガイドとして使用し、コンセプトを選択しました。過去の年からそれらを再解釈して、チェス盤のさまざまな駒に対応させます。 （たとえば、馬の毛で仕上げたドレスは、彼の 2000 年秋のエシュ コレクションを思い出させ、騎士を象徴していました。）その結果、マックイーンの特徴的な 19 世紀モチーフに日本と現代アメリカの参照を組み込んだ、回顧と洗練の両方が実現しました。 36 人のモデル全員がランウェイ上の広場に集まると、チェス盤が床に投影され、女性たちはロボットの音声の振り付けコマンドに従いました。 マックィーンの東西へのうぬぼれは、今日ではさらに厳しい監視の対象となるだろうが、それでも彼は自分の創造的な決断を擁護することに慣れていた。 — RC

ソッツァーニ:私は李さんをよく知っていました。 彼は若い頃、私と一緒に1年間働いたこともありました。 彼のカットの仕方、特にジャケットが大好きでした。 それは限りなく完璧に近かった。 このコレクションでは、フェミニンとマスキュリンの組み合わせが特に気に入りました。 彼がチェス盤を構成しているところにいたのは、とても感動的でした。

ハラミス:これは、ショーとコレクション、スペクタクルと衣服自体の違いについて、興味深い点を提起していると思います。

ゴルビン:過去 20 年間で、この番組は非常に重要な役割を果たしました。 私は 2010 年春のマックイーンの最後のフル コレクションを指名しました [デザイナーはその年の 2 月に自ら命を絶ちました]、それは非常に素晴らしいものでした。 しかし、カーラが言ったように、これは彼の革新的な精神を結集しただけでなく、その後他のデザイナーによって使用されたすべてのカットやピースも含まれていました。

李：私はこのリストに取り組み、文化に対する影響力とその永続的な影響を正確に特定しようと努めました。 たとえそれが非常に美しく、非常に丁寧に作られていたとしても、マックイーンの素晴らしいショーは私にとって実際の衣服の影を覆い隠してしまいました。

ソッツァーニ:しかし、これにはカッティング、生地、構成、すべてが揃っていました。

1979 年秋のコレクション「Spirale Futuriste」を発表するまでに、ティエリー・ミュグレーは、SF の比喩を取り入れ、モデルにゴールドとシルバーのラメやフェンボットのような鋭い肩の衣装を着せることですでに知られていました。 しかし、そのシーズン、彼のビジョンは結晶化した。ミュグレーの女性たちは、彼の気まぐれな宇宙船の乗組員であり、洗練されたフードの有無にかかわらず、メタリックな揺れるコートと光沢のあるズボン、襟とマスクの端にあるハイネックのチュニックを着て銀河の周りを回転していた。悪役の口ひげのようになりました。 夜には、ホログラフィックのガウンとプリーツのケープを着ました。 しかし、空に向かって回転するモデルたちの彫刻的で重力に逆らうポニーテールに至るまで、螺旋は極めて重要なモチーフだった。 ミュグレーは宇宙時代にインスピレーションを受けましたが、クレージュ、ピエール・カルダン、パコ・ラバンヌなどはやっていませんでした。 彼は漫画的で演劇的でしたが、「ジェットソンズ」や「スタートレック」もやっていませんでした。 彼はミュグレーをやっていた。 そして、彼はクロード・モンタナの未来像と僅差で競い合っていたが――両デザイナーはパリのフォーラム・デ・アールで、プレタポルテのショーのために新しく建設されたテント都市でそのシーズンを発表した――スピラーレ・フュートゥリステは、ミュグレーの最初の商業的に成功した作品のひとつと言われている。コレクション。 おそらく彼は最も先見の明のある人でもあります。 — JT

ソッツァーニ:このコレクションはとても美しかったです。 アズディン（アライア）がタキシードを作ってくれました。 ティエリーはショーノートで彼に感謝した。

オーエンズ:それが私がそれを選んだ理由です - アライアがそのコレクションに取り組んでいることを知っていたからです。 しかしまた、おそらく私たちがミュグレーに期待するよりも多くの謎がそこにはありました。 これには、彼が後に開発した性爆弾の女神の外観に先立つ軍国主義的なレトロフューチャリズムがありました。

ゴルビン:彼がアズディンについて言及したという事実は、ミュグレーのプレタポルテがいかに構築に基づいていたかを証明しています。 その出来栄えは並外れたものであり、同時にこの二人は、ジャン・ポール・ゴルチエとクロード・モンタナとともに、まったく新しい創造性の時代の到来をもたらしました。

1968年5月、スペインのクチュリエ、クリストバル・バレンシアガは、31年間続いたパリのジョルジュサンク通り10番地にあるサロンを閉じると発表した。 「オートクチュールを支えてきた人生は終わった」と彼は決断について語った。 「本物のクチュールは、もう不可能な贅沢です。」 彼のクライアントやその後のファッションプレスからの悲しみの噴出は予想されていた。 退任当時、彼は女性のシルエットを再形成し、巧みなカッティングと最小限の構造を通じて彫刻のような純粋さを実現するなどの遺産を達成していました。 その好例は、彼の 1967 年春のショー、一連の厳格なドレスとケープであり、一部は 1 つの縫い目だけで作られていました。 神格化（バイアスカットのシルクガザールのウェディングドレスに、修道士の頭巾に似たヘッドピースを組み合わせたもの）は、そのシンプルさで人を惹きつけ、バレンシアガが生涯にわたって教会の祭服に魅了されてきたことを体現していた。 2021年、バレンシアガの現アーティスティック・ディレクターであるデムナが53年ぶりにバレンシアガのオートクチュール・ショーを開催した際、オリジナルを改良することはできず、フードを不透明なナイロンのベールに置き換えてウエディングドレスをリメイクしただけだった。 その後、デムナは「このドレスはバレンシアガの天才性の現れだった」と語った。 — KW

オーエンズ:私の意見では、1957 年 - 彼のスカート スーツとシュミーズ スタイルのサック ドレスの頃 - が彼が自身のレーベルを定義した時期でした。 その後に起こったものはすべて進化でした。 特定のコレクションに絞り込むことはほとんどできませんでした。 その初期の数年間に、彼は今日私たちが知っていて言及しているバレンシアガを作成しました。

ゴルビン:一般に、1957 年はファッションにとって重要な年でした。 クリスチャン・ディオールが亡くなり、イヴ・サンローランが後を引き継いだ年です。 当時、実際には 2 つの流派がありました。ディオールは、非常に具体的で非常に女性的なシルエットであるニュー ルックを確立しました。そして、ガブリエル シャネルとクリストバル バレンシアガという、ファッション用語の中で異なるシルエットを提案した 2 人の部外者がいました。 1957 年がバレンシアガにとって極めて重要な年であったのは事実ですが、私があえて 1967 年を含めたいと思うのは、それが彼がすべてのドレスの中で最もミニマルな構造、つまり 1 つの縫い目から作られたウェディング ドレスに到達したときのコレクションだからです。 彼の軌跡はすべて、衣服を最も純粋な表現へと単純化することであり、そのガウンはパズルのようでした。 そう、57年は彼がシュミーズドレスやフラウンスレースのベビードールドレスなど、非常に多くの異なる革新を導入したので重要だが、私は彼が生涯の仕事をほぼ完成させたコレクションを選んだ。 彼は 50 年以上前に活動を始めていましたが、このコレクションでは、究極のシンプルさという最終目標にほぼ到達したかのようでした。

オーエンズ:うわー、あなたは百科事典です。

李：ここで、デザイナーとコレクションを区別することを忘れないでください。 2 つを区別するのは難しいかもしれませんが、私たちの課題は特定のコレクションを選択することです。 バレンシアガは特定のシルエットの達人だったので、私が彼を取り上げることに消極的だったのは、それが彼のコレクションのほとんどすべてであった可能性があるという事実から来ています。 しかし、パメラが 1967 年の春、バレンシアガが衣類を最も純粋な形に蒸留したことについて語った言葉に、私は心を揺さぶられました。 彼の功績はどこからともなく生まれたわけではありません。 その背後には10年の開発期間がありました。

オーエンズ:私が彼が現れたときに焦点を当てたのは、あなたが現れたときは物事を変えるとき、あなたが目に見えるようになり、みんなを驚かせるときだからです。

機会のないクールとはどのようなものでしょうか？ これは、各世代の若者が自分自身で答えなければならない質問です。 2015年、パリを拠点とする新たに結成された集団ヴェトモンは、現在デムナという名で知られるジョージア人デザイナー（同社CEOの弟グラム・ヴァザリアとともに）が指揮を執り、レザージャケットやレザージャケットなどのおなじみのアイテムに中性的でオーバーサイズの解釈という形で答えを出した。モデルの指先やその先まで袖を伸ばしたナイロンボンバー。 ソビエトの緊縮財政を思い起こさせるプレゼンテーションには意図的な地味さがあったが、そのような誇張された一般主義はアメリカのノームコアに遡るかもしれない。 たとえば、だらしない花柄のスリップドレスに、ゴム製の掃除用手袋に不気味なほど似た黄色い手袋を組み合わせたもの。 これは部分的には、デムナの友人でショーのスタイリングとキャスティングを担当する欠かせないコンサルタントとなったロシア人スタイリスト、ロッタ・ヴォルコヴァの影響だった。 ヴェトモンのフリーサイズの美学がファスト ファッションで簡単に再現できるとしたら、このレーベルは、ありふれたものから興味深いもの、型破りに美しいものまで、さまざまな外見をしたモデルが登場する、日常の人々の個人主義を再確認するものでもありましたが、態度は一律に慎重でした、まるで自分が着ているものにあまりにも多くの自分自身を投資することに消極的であるかのように。 — RC

ホームズ:パリのクラブで発表されたこのコレクションは、まさにデムナが注目を集め始めたときでした。 周りの人はみんな着てました。 そしてそれは、彼がヴェトモンでやろうとしていることを最も明確に表現しているようにも感じられた。

ゴルビン:同意します、マット。 彼は企業の贅沢に代わるビジョンを提案していました。 ヴェトモンのデムナとバレンシアガのデムナのどちらを選ぶかは私にとって困難でしたが、この作品で彼はシステム全体を混乱させました。

ファッションは常に、エリザベス朝時代のボリュームのあるシルエットから、ビクトリア朝のコルセットが描く制限的な砂時計の曲線に至るまで、何らかの形で体を形作ることを目的としていました。 日本人デザイナーの川久保玲ほど、衣服が身体のイメージと相互作用する方法を顕著に再発明した人はいません。 現在、彼女の「Lumps and Bumps」コレクションと呼ばれるもので、川久保は、不自然な突起やパッド入りの見苦しい膨らみに満ちた、軽薄でフェミニンなギンガムチェック生地を使用した一連のドレスとスカートを発表しました。 これにより、川久保は衣服のデザインの伝統的なモデルを見事にひっくり返し、身体の自然な風景に積極的に取り組みました。 彼女の膨らみのある衣服は、女性は男性の視線、つまりどんな視線にもさらされるべきだという当時の一般的な考え方に対するいたずらっぽい反撃であり、ファッションとは何らかの形で体を整えたり、高めたりするものであるというものでした。 彼女のデフォルメは誘惑とは逆のことをしました。 実際、それは反発の一形態としてのファッションでした。 川久保の手の中では、身体はジェンダー、美、セックスについてのアイデアを練るキャンバスとなった。 このコレクションは、ある種のロールシャッハ・テストのような役割を果たしており、歪みの中に妊婦のお腹や女子高生のバックパック、さらには1980年代にアメリカの企業社会に参入した女性たちが採用したパッド入りの堂々とした肩を映す人もいる。 — マックス・バーリンガー

ハラミス:最後に、私たち全員が同意できるエントリーです。

オーエンズ:最初、私は喧騒のような歴史的に人工的なものを取り上げ、それを新しい世代のために誇張することのずるさに気づきました。 しかし、それが女性にとって、より深い意味での解放をもたらしたかもしれないことは理解できます。だから、カーラとパメラ、私はあなたに従うことにします。

ソッツァーニ:この作品は、明らかにセクシーである必要はないことを教えてくれました。 私にとって、それは自由についての大きな宣言でした。

ゴルビン:体型の多様性を初めて認めたことも付け加えておきたい。 モデル自体は痩せていましたが、その衣服は女性の体に対する新しい見方を提供し、当時としては非常に珍しいものでした。 レイは、「私たちが持つことができるすべての形を見てください。それらはすべて異なっていて、すべて美しいです。」と言いました。

ホームズ:このコレクションは、セクシーとは何かという定義そのものを変えたと私は主張します。

究極の現実主義者であるヘルムート ラングが、他のニューヨークのデザイナーたちと決別してショーをファッション月の初めに繰り上げ、カレンダー全体を現在のような形に再編成したのがこのシーズンだったということを忘れてください（ニューヨークのショーヨーロッパ以降ではなく、ヨーロッパ以前です）。 あるいは、次のシーズンに彼がコレクションを CD-ROM で発表するということは、これから起こることの前兆だろう。 このコレクションは、他のどのコレクションよりも、今日でも業界を定義する典型的なラング主義の一例として機能します。 男性も女性も着られる、真っ白な黒と白のシャープでありながら気取らない仕立てがあります。 ジーンズ、タンクトップ、Tシャツなどの地味な衣服をランウェイにふさわしい定番アイテムに昇格させた。 ベルクロ留めのベストや調節可能なヒップクロージャーなど、ザラザラとした実用的なディテールが特徴です。 ラングの作品は本質的に機能的であり、ル・コルビュジエのいわゆる「生きるための機械」に対するファッションの答えです。実際、ラングは、街の制服の張りつめた世俗的なバージョンをキャットウォークや衣服に取り入れながら、日常の中に美しさを見出しました。 20 世紀末には、現実の生活と一致した厳しい願望が大衆に見られました。 ストリートウェアが台頭する前、ラングはあまりにもありふれたアイテムなので気づかれないようにし、それを官能的で洗練された本質を明らかにする芸術的なバージョンに作り直すことに優れていました。 — MB

ホームズ:私は、みんながこの会話にどのヘルムートのコレクションを持ち寄るかを見るのをとても楽しみにしていました。 彼の作品はとてもウェアラブルでモダンで、友人やアーティストをモデルとして使ってコミュニティを作るという、キャスティングに関する彼のアイデアがずっと好きでした。

李：これは、男性用と女性用の服が一緒に並んでいるのを私が初めて見た記憶の一つです。 それは完全に真実ではないと思いますが、ヘルムート ラングの言葉はその瞬間を完璧に反映していました。

ソッツァーニ:目を閉じてヘルムート ラングについて考えてみると、これが目に見えるものです。 ヘルムートは必須です。ほとんどが黒または白の仕立てられた服です。 男女で衣装を交換することも可能です。

李：これは、望ましいものとしての実用性の初期の例でもありました。 彼はカルバン・クライン以降の風景の中でデザイナーズデニムのアイデアを評価し、それをユニフォームに変えました。

イッセイ ミヤケの特徴的なプリーツは、1993 年に彼が設立したライン「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ」との関連が強いですが、彼が「ガーメント プリーツ」テクニックをデビューさせたのは、彼の名を冠したレーベルの下でした。 明るいコバルト、ネオンイエロー、淡いオレンジのハイウエストのサスペンダー パンツにプリーツがあしらわれ、スリムフィットでフレアになっており、ダブルブレストのクロップド ジャケットと合わせてスタイルされています。 セミの羽をイメージした透明感のあるオーガンジートップスを華やかに彩りました。 それらの中には、硬くてパリパリしているように見えるドレスやジャケットに彫刻されたものもありました。 他のものは体にぴったりと巻き付いており、滑らかで滑らかです。 これらの実験は、古代の折り紙芸術に敬意を払いながら、1900 年代初頭に独自の特許取得済みのシルク プリーツ技術を開発したマリアーノ フォルチュニーなどのデザイナーに倣い、プリーツ加工の進化における新たな段階を示しました。 しかし、三宅氏の方法は伝統的なものではありませんでした。生地を裁断して縫製した後でのみ、熱と圧力を使用してプリーツを作りました。 これほどしっかりとした折り目を作るには、かなりの量の材料が必要でした。 これは、三宅氏がファッションにおける形式の限界を超えて自分のデザインを推し進めるために、何年も費やしたテクニックでした。 この画期的なデザイナーは、今年 8 月に 84 歳で亡くなりました。 — JT

李：今シーズンは特別で、プリーツ加工がコレクションの焦点となっています。 それはフォルチュニーのテクニックを流用して三宅が完全に独自のものにしたものでした。 私にとって、それはデザイナーを永遠の偉大さへ押し上げる、非常に具体的なシルエット、素材、または命題のいずれかです。 ミヤケのシルエットは生地の性能から生まれました。

ゴルビン:テクノロジーは非常に統合されていました。

ソッツァーニ:洗濯機に入れることもできるのはすごいですね。 痩せていない女性にもおすすめです。 そういう意味でも貴重なコレクションです。

オーエンズ:私は三宅氏が大好きですが、もし私次第なら、このスペースをヨウジヤマモトのために取っておきます。

すべてのデザインは伝記の一種ですが、1995 年の春コレクションまで、ヨウジヤマモトは自身の国籍についてのあからさまな言及をほとんど避けてきました。 おそらくそれが、彼の母国である日本からインスピレーションを得たこのショーが大きな影響を与えた理由なのかもしれない。 「それは純粋な詩だった」とカーラ・ソッツァーニは当時語った。 「それはファッションのあるべき姿であり、夢を与えてくれるものでした。」 山本はソウルフルなタッチで、最も伝統的な日本の衣服である着物を中心にコレクションを作成し、それを細長いローブコートや修道院用のセパレーツに仕立てました。 ドレープを施したオーバーサイズの袖から、透明なシルクに描かれた桜などの古典的なモチーフの使用まで、それは究極の内部関係者の一人によるこの国の習慣と伝統についての思索でした。 注目すべきは、このコレクションでは伝統的な絞り染色技術を使用していることです。これは手作りのプロセスであり、それぞれの衣服にわずかに異なる緑青を与えます。 — MB

ゴルビン:どうしてヨウジを入れないことができるのでしょうか？ 彼、三宅、川久保は全員パリに来て、女性の身体についてのこの劇的な再考においてそれぞれ重要な役割を果たしました。

李：私は絞りという手作りの要素が大好きです。

ソッツァーニ:これは感傷的かもしれないが、私がヨウジに関する本 [『トーキング・トゥ・マイセルフ』、2002 年] を編集していたとき、彼と川久保玲が 90 年代初頭に別れてからそれほど時間が経っていないことに気づいた。 70 年代後半から 10 年間]、彼の作品はあまり面白くなくなっていました。 私の意見では、これは彼のカムバックコレクションでした。 彼は約3年間沈黙していたが、これで再び有名になった。 当然のことですが、仕事は信じられないほど素晴らしかったです。

批評家たちは、ウィリアム・ブレイクの作品と名前が同じジョン・ガリアーノの『堕天使』コレクションに好意的ではなかった。 彼らはヴィヴィアン・ウエストウッドの才能を認めていたが、ヴィヴィアン・ウエストウッドは当時24歳で、ファッション学校を卒業して2年も経っていなかったが、ロンドンのデューク・オブ・ヨーク兵舎でのプレゼンテーションはあまりにも非現実的で、過労すぎると判断した。 彼のモデルにはパウダーが塗られており、髪の生え際がつや消しになったり、額に黒インクの滴り落ちたような焼き印が押されたりしたモデルもいた。 彼らは裸足か、泥の中を引きずったパトリック・コックスの「ホーボー」シューズを履いて歩いていた。 ある記者は彼らを「精神を病んだ18世紀の難民の幽霊のような部族」と表現した。 どう考えても、このコレクションはあまり売れませんでした。 しかし、ガリアーノにとって『堕天使』は、約 35 年後、メゾン マルジェラの 2020 年アーティザナル コレクションをデザインする際にインスピレーションを与えるほど重要なものでした。 そのコレクションにインスピレーションを与えたのは、1986 年春のショーを締めくくったびしょぬれのドレスでした。エンパイアウエストのガウンは水しぶきを浴びて、薄手の白い生地が体に張り付き、ネオクラシカルなドレープを思い出させました。 フィナーレは、古代に夢中になった19世紀初頭のフランス人女性が「モスリン病」に苦しんでいたという言い伝えにうなずいた。モスリン病は、伝説によると、体を誇示するために濡れたガーゼのガウンを着て歩き回ったためにかかる病気だという。 — JT

ソッツァーニ:もともと私は彼の卒業コレクション（現在はセントラル・セント・マーチンズと呼ばれているロンドンのセント・マーチンズ芸術デザイン大学で1984年に発表）を含めたいと思っていました。 私もそこに行きましたが、印象的でロマンチックでした。 しかし、私は堕天使コレクションがどれほど好きだったか忘れていました。

オーエンズ:ガリアーノが生地を浮かせたり定位置に落とし込んだりする方法については、いくらでも言い出すことができるので、始めさせないでください。 そのようなものは見たことがありません。 [クリスチャン]ラクロワとアルベール[エルバス]は何もないところからメレンゲを泡立てたように見えましたが、ガリアーノの菓子はその中で最も軽いものでした。

1990 年、フランス系チュニジア人デザイナー、アズディン アライアは自宅とアトリエの両方をパリのマレ地区にある高層ビル、オテル デ ゼヴェック ド ボーヴェに移転しました。 改装中に、彼はこの空間がかつてルイ 15 世の元愛人、後にポンパドゥール夫人として知られる活発で文化的な誘惑女、ジャンヌ アントワネット ポワソンが住んでいたことに気づきました。 この刺激的なトリビアのひとかけらは、アライアの 1992 年春コレクションにインスピレーションを与えました。約 100 点のルックからなる充実したコレクションは、彼のフランスのサヴォアフェールだけでなく、彼の厳密な技術的繊細さを証明しました (彼のようにできる人は誰もいないと言うべきです)。 「しがみつきの王」として知られるこの人物は、歴史的なファッションの繁栄、つまりたっぷりとしたヒップ パニエ、洗練されたレディンゴット、ブラデリー アングレーズ、ボリュームたっぷりのクリノリンなどを、徹底的に現代的で官能的でさえある方法でシームレスに呼び起こすことができました。 彼の解釈は、胸の谷間を強調するスクエアネックラインを備えた、シャープに仕立てられたスカートスーツへと開花しました。 コルセットのような、レーザーカットされたレザーの帯ベルト。 さわやかな白いシャツドレス。 エレガントな溝付きペンシルスカート。 泡状のティアードミニなど、どれも正確さにこだわることなくベルサイユの宮廷衣装に敬意を表したものでした。 2018年、このデザイナーの財団は、このショーに関する全体展示「コレクションの秘密の錬金術」を開催し、そこに含まれる職人技と細部のレベルを実証しました。 デザイナーの中にはクリエイティブな力を持つ人もいれば、息を呑むような職人もいますが、アライアはその両方を兼ね備えた最も稀な存在でした。 — MB

ソッツァーニ:これは彼が約10年間活動を休止する前の最後のショーであり、これは彼の最大のコレクションだったと思います。 仕立て、ニット、革、裁断品など、あらゆるものが少しずつありました。 それは彼の作品を一冊のコレクションにまとめた百科事典でした。 アズディンは偉大な​​クチュリエであり、彼なしではどんなリストも不完全なものになるでしょう。

レベッカ・ミードがニューヨーカー誌に書いたように、「マルジェラは服についての服を作ります。」 彼の 1996 年春コレクションほどその好例はないかもしれません。このコレクションでは、伝統的な意味での服を「デザインする」代わりに、例えば分厚いニットセーターや魅力的なスパンコールのスカートなど、知性と陽気さが機知に富んだミックスになっています。 — 彼は写真家の友人にこれらのアイテムを撮影するよう招待し、画像を等身大の比率に拡大して、一般的な軽量の衣服にプリントしました。 現在ではトロンプルイユ コレクションとして知られるこれらのデザインは、職人技、独創性、信頼性という業界の神聖な要素に手榴弾を投げつけました。 それはあたかも、報道陣に一度も話したことがないデザイナーが、「セーターとは何ですか? スパンコールのついたガウンが写真よりも本物になるのはなぜですか?」と尋ねているかのようでした。 これは、マルジェラがファッション界の第一人者であると同時に、最も生意気ないたずら好きであるという評判を裏付けるものとなった。 色あせた白黒のプリントが施されたこの衣服は、ほとんどプルーストのような品質を備えており、素晴らしい衣服が残した永続的な印象と、記憶自体のつかの間の性質を体現しています。 — MB

オーエンズ:私の知る限り、デザイナーはキャリアの早い段階で自らのレガシーを築き上げます。 それは彼らが私たちを座らせて、彼らが何をしているのかに注意を向けさせるときであり、それがマルジェラがしたことです。 カーラもショーに来ていたはずだ。

ソッツァーニ:私はそうだった。 とても興味深いものでした。女性たちは顔を覆っていて、服が非常に重要であるように見えました。 ファッション ショーを見ているとき、多くの場合、モデルを見ているか、音楽を聴いています。 彼はあなたが自分のデザインに注意を払っていることを確認しました。

ゴルビン:ファッションといえばスーパーモデルばかりだった当時、顔を消して服そのものに語らせるというのは、かなり過激な行為だった。

李：マルジェラは神だ。

ソッツァーニ:彼のコレクションをすべて含めることができればいいのにと思います。

1970 年代のロンドンの黎明期のパンク シーンのサウンドがセックス ピストルズのうなり声だとすれば、この運動の非公式の本部はチェルシーのキングス ロード 430 番地にありました。 そこは、元学校教師のヴィヴィアン・ウェストウッドが、当時のボーイフレンドで音楽プロデューサーのマルコム・マクラーレンとその友人のパトリック・ケイシーとともに、1971年にレット・イット・ロックという店をオープンした場所だ。そこはアイデアの実験室となり、その名前は衣服の進化を反映するために、装飾はさらに 4 回変更されました。 ウェストウッドが過去5年間実験していたボンデージパンツやほどけるモヘアセーターなどのアイデアに本格的に火がついたのは、ショップがセディショナリーズとして生まれ変わった1976年のことだった。 ポルノ的な画像やスローガンがプリントされた T シャツ、チェーンや安全ピンで飾られた引き裂かれたドレスやトップスは当時の反抗的なムードを捉え、ウェストウッドとマクラーレンは非公式の最初のカップルとなった。 「私は自分自身をファッションデザイナーとしてではなく、他人の服装や服装を通じて腐った現状に立ち向かいたい人間だと思っていた」とウェストウッドはイアン・ケリーと共著した2014年の回想録『ヴィヴィアン・ウエストウッド』で述べている。 「最終的に、この一連のアイデアはパンクに到達しました。」 — KW

李：ヴィヴィアン・ウエストウッドは、より幅広い聴衆に破壊活動をもたらすことに非常に優れていました。 彼女はオルタナティブカルチャーを取り入れ、そのスタイルを衣装を超えて人々が着る服にまで押し上げていました。 私にとって、それは集団尋問の魅力についてでした。

ゴルビン:覚えておいてください、彼女はセックス・ピストルズの衣装を着ていました。

ソッツァーニ:それは革命に関するものでした。 1967年にロンドンへの旅行からズボンを履いて帰宅したことを覚えています。 女性がズボンを履いてキャンパス内を歩くことは許可されていないと言われ、彼らは私の大学カードを取り上げました。

ゴルビン:当時、女性がズボンを履くということが何を意味するのか、私たちは理解していなかったように思います。 一例として、パリの女性は公式行事にパンツを履くことができませんでした。 今日、女性は皆パンツを履いていますが、それを可能にするためには反抗が必要でした。

カール・ラガーフェルドにとって、シャネルへの初めての正式な外出は、ドイツ人デザイナーがメゾンの伝統と彼自身の比較的若々しい好みのバランスをとろうとしたため、大失敗だったかもしれない。 当時、彼はコレクションを「モダンでシックでセクシー」なものにしたいと述べたが、既にシャネルのパールを手にしている人々のために「ラスベガスのセクシーではない」とも付け加えた。 結局のところ、それは成功でした。 このコレクションは、1971 年に死去してシャネルの舵を失った創始者ガブリエル "ココ" シャネルの特徴的なエレガンスを失うことなく、シャネルを 1980 年代に押し上げました。 ラガーフェルドは、スカートを締め、ジャケットをクロップし、ラペルを広げ、肩をシャープにし、かかとを高くすることを続けました。 1920 年代から 30 年代のココの作品にインスピレーションを得たこの最初のショーでは、彼は、滑らかな長袖の黒のガウンの首、腰、手首の周りにコスチューム ジュエリーの山を縫い付けることで、彼女のコスチューム ジュエリーへの愛に敬意を表しました。ラガーフェルド氏の威圧的な36年にわたる統治。 — JT

ソッツァーニ:これはミニスカートのコレクションでしたか？

ゴルビン:いいえ、それはシャネルのスーツやCC、その他すべてでした。 ガリアーノがディオールで行ったように、カールはシャネルの本質を抽出し、それを現代の文脈に取り入れることができました。 私は、「創設者を載せるか、それともリストをより現代的なものにするか?」と自問しました。 ここではより現代的なものを選びました。

英国生まれのクチュリエ、チャールズ ジェームスはシカゴで帽子屋としてスタートし、クリスチャン ディオールから「私の世代で最も偉大な才能」と称賛されるまでになり、顧客には社交界の有力者やシャネルやエルザ スキャパレリなどのデザイナー仲間も含まれていました。 彼の 30 年以上のキャリアの中で、1930 年代初頭のタクシー ドレス (知られている限り、体の周りをぐるりと回ったジッパーの最初の例) など、独創的なカッティング テクニックの例が数多く見られましたが、彼の最高の瞬間はクローバー リーフ ドレスだったのかもしれません。元々は、その年のアイゼンハワー就任舞踏会のためにオースティン・ハーストによって依頼されたものでした（ただし、ジェームズの悪名高い完璧主義者として、ドレスは式典の数週間後に完成し、ハーストは別のものを着ていました）。この衣服は 30 年から作られました。パターン部分の重さは10ポンドでした。 身体では、黒いベルベットとアイボリーのファイユの層の下に隠されていた複雑なインフラが、女性が歩くたびに波打った。 ジェームズが生み出した効果は非常に印象的だったので、2014 年に彼の作品の回顧展がニューヨークのメトロポリタン美術館で開催されたとき、展覧会には彼のデザインを解読するために X 線、アニメーション、デジタル プロジェクターが組み込まれました。 「私は西洋世界で最も偉大なクチュリエだと一般に考えられている人物です」とジェームズは1978年に亡くなる数時間前に救急車の乗務員にそう語った――無一文だったが、最後まで自分の天才性を確信していた。 — KW

オーエンズ:これは私のものです。 ファッションの歴史において、風変わりな脚注とも言えるものを入れたかっただけです。 私は彼のことを忘れたくなかったのですが、決して忘れません。

ソッツァーニ:まあ、彼は最も偉大なので、ここにいるべきです。

ゴルビン:リック、あなたがチャールズ・ジェームスを起用することは知っていたので、私は彼を私の選手には起用しませんでした。

オーエンズ:無慈悲！ これは闘鶏だ！

衝撃に満ちたキャリアの中で、マーク ジェイコブスの最大の挑発は、おそらく彼の初期の作品の 1 つであったかもしれません。それは、彼がクリエイティブ ディレクターを務めていたアメリカのプレッピー スポーツウェア レーベル、ペリー エリスのために 1992 年末に発表された悪名高いグランジ コレクションです。 ジェイコブスは、太平洋岸北西部の怒り狂うミュージシャンが愛用するボロボロのリサイクルショップの落ち物に似た高級服を着て、ファッション界の大物モデルたちをランウェイに送り出した。 チェック柄のフランネル。 スパゲッティストラップドレスの下にはプリントTシャツ。 かぎ針編みのカーディガン。 ビルケンシュトック、ドクターマーチン、ビーニー帽と一緒に着ていただらしのないセーター――これは業界の門番たちに衝撃を与え、ベテランファッションジャーナリストのスージー・メンケスが「グランジは恐ろしい」と書かれたピンを配り、最終的にはジェイコブスがブランドから解雇されるに至った。 しかし、今にして思えば、それが彼の先導者としての評判を確固たるものにした。 そのコレクションは、1980年代のロココ劇（クリスチャン・ラクロワ、ティエリー・ミュグレー）を事実上一掃し、その後の10年を特徴づけることになる不機嫌なミニマリズム（カルバン・クライン、ヘルムート・ラング）を支持した。 それでも、ジェイコブスはその瞬間の気分を、コートやパンツだけでなく、忘れられない直感的なイメージに蒸留する方法を知っていたことが証明されました。 「それは人が望むすべてに反していた」と彼は2015年に語った。3年後、このコレクションはカルト的な地位を獲得し、ジェイコブス社の許可を得て再リリースされた。 — MB

李：とても参考になりました。 私たちは今ほどコレクションのことを考えていないので、それを無視したくありませんでした。

ゴルビン:もう一つのコレクションは報道陣に気に入られなかった。

ホームズ:私にとって、あのコレクションは、発売後に引き起こした盛り上がりを考えると強力なものでした。

李：シャローム（ハーロウ）とアンバー（ヴァレッタ）がそれを着ている私の頭の中のイメージと、その服を区別するのはとても難しいです。

ゴルビン:私は、非常に重要なコレクションだったペリー エリスに関するパトリックの提案に同意しますが、2003 年春のルイ・ヴィトン コレクションでのマークの村上隆とのコラボレーション [ジェイコブスは 1997 年にフランスのメゾンのクリエイティブ ディレクターに就任しました] は、私たちが私たちのやり方に信じられないほどの影響を与えました。アートとファッションのコラボレーションについて考えてみましょう。 しかし、私はペリー・エリスのコレクションをマークの瞬間として残しておくことに前向きです。

ドイツのデザインハウス、ジル・サンダーは、同名の創設者の指導の下、ブルジョワミニマリズムの擁護者として 1980 年代から 90 年代にかけてかなりの人気を博しましたが、2005 年にベルギー人デザイナーのラフ・シモンズがクリエイティブ ディレクターに就任するまでに、このブランドは衰退していました。以前メンズウェアのデザインをしていたシモンズは、ミニマリズムよりも純粋さのコンセプトを好むと主張し、レーベルの特徴である厳格さを明るい色とストリートウェアの感性でアップデートしました。 2011年春のウィメンズコレクションのショーでは、バーナード・ハーマンの「サイコ」のシンフォニックサウンドトラックがバスタ・ライムスのヒップホップの名曲「ギミー・サム・モア」と並行して流れ、モデルたちはポリエステルとナイロンで作られたズボンと床をかすめるスカートを履いてランウェイを歩いた。ロイヤルパープル、バブルガムピンク、コーラルレッド、レモンライムをブレンド。 視線はヒップ（20年代の多くのファッションの重心）ではなく、ウエストの高い位置にドラマチックなペプラム、幅広のプリーツ、紙袋の引き紐などで描かれていた。 これらは主に無地の白いTシャツと組み合わせられていました。 このコレクションのアプリコット オレンジのシフト ドレスは、重なった 2 つの大きなプリーツがパネルにあしらわれ、ネイビー ブルーとクローバー グリーンのストライプで飾られています。長方形の Supreme ロゴと、ミッドセンチュリーのアーティスト、カルメン ヘレラの抽象絵画のグラフィックの直線性の両方と DNA を共有しているように見えます。 それから10年も経たないうちに、このような「ハイ」要素と「ロー」要素の混合は当たり前のように感じられるようになったが、この慣行を正常化するのに貢献したのは間違いなくシモンズだった。 — RC

ハラミス:リック、あなたは別のラフ シモンズ コレクション、つまり彼自身のブランドのものを選びましたね。

オーエンズ:それは、「ステーション・トゥ・ステーション」コンサート・ツアー中のデヴィッド・ボウイを思い出させた。 そのような暗い雰囲気と新しい男らしさは、今日でもファッション界に蔓延しています。

李：でもメンズだけだったっけ？ そのため失格となった。

オーエンズ:右。 それならこの石で二鳥を殺しましょう。

イタリアのデザイナー、ミウッチャ・プラダが 2000 年春のコレクションを発表するまでに、女性のファッションは 1980 年代の豪華さから、90 年代のダークなグランジの美学と、それに対抗するディスコ風の少女らしさによって交互に影響を受けたミニマリズムに移行していました ( 1999年、ヴェルサーチのチェーンメールのスリップドレスを着て颯爽と踊るケイト・モスとナオミ・キャンベルの写真）。 プラダは、合理的な感性を保ちながらも、ポップ カルチャーからではなくプロフェッショナリズムからインスピレーションを得た衣服で新世紀の到来を告げました。 ペンシル シルエットとプリーツのスカートは、薄手のものから半透けのもの、完全に透けるものまで、タートルネック、ボタンダウン ブラウス、カーディガンと合わせて着用され、乳首がコレクションの特徴的な装飾の 1 つとなっています。 パレットはニュートラルで、白、キャメルからココアまでのブラウン、そしてモーブの多くのバリエーションの探求が主体でした。 猫のリボンのブラウスにチーターのように見える小さな茶色のハートが集まっていたり、白い低めのシルクスカートにウォーホル風の繰り返しで配置された黒とグレーの口紅など、時折使われるプリントでさえも落ち着いたままでした。 このような遊び心は、X世代後期の女性が乳離れしたときよりもキャリアと女性らしさの間の関係が戦闘的ではないことを示唆していました。 80 年代のパワー スーツが徹底的に本格的で、90 年代のパンツスーツからは性が剥奪されていた一方で、プラダはもともとかばんや高級アクセサリーの卸売業者だった家業を 1970 年代に引き継ぎ、事業を拡大しました。レディ・トゥ・ウェアを含め、婦人服を風変わりでセクシーな、コードを切り替える機会として再考しました。 — RC

ゴルビン:ミウッチャは明らかに大きな影響力を持っていますが、具体的なコレクションを 1 つ選ぶのは大変でした。

ハラミス:どうやってこれに行き着いたのですか？

ゴルビン:これは彼女が自分の DNA を詳細に説明したときだったと思います。それは、ミウッチャが見たファッションの ABC に近いものでした。 プラダにはもっとたくさんの候補があるだろうと思っていました。 イタリアもリストに加えたいと思いました。

ソッツァーニ:それは私のせいです。 もちろんイタリア人も！ 私にとってそれはジャンニ・ヴェルサーチでしょう。なぜなら、彼の作品を振り返れば振り返るほど、彼の服のドレープの仕方、つまり彼が使用した素材や生地など、彼は非常に革新的な人だったからです。 だから私はヴェルサーチをするでしょう。

李：ヴェルサーチは理にかなっています。 グッチは理にかなっています。 プラダは理にかなっています。 私にとって、それらはすべて先入観に挑戦するものであり、そのおかげで文化は前進します。 彼らはノスタルジーと何が正しいのかという概念を捨て去り、それが私たちが何か新しいものに到達する唯一の方法です。

ソッツァーニ:さて、私たちが考慮すべきイタリア人の一人は、ウォルター・アルビニです。 彼はイタリアのプレタポルテの父であり、信じられないほど革新的でした。 そして、私たちがいつも彼のことを忘れているのも事実です。

ゴルビン:カルラ、アルマーニやヴァレンティノは入れないんですか？

ソッツァーニ:もちろんそうします。

写真とビデオの調査: ベッツィー・ホーランとルーシー・マレー・ウィリス

研究編集者: Alexis Sottile および James Williamson

広告